Il Postino (El Cartero y Pablo Neruda) 1994 y “Ardiente paciencia” de Antonio Skármeta (en audio)

“Il postino”, una película que habla de poetas y poesía, y que es, en sí misma, un verdadero poema. 

Este film, también conocido como “El cartero”, “El cartero de Neruda” o "El cartero y Pablo Neruda" se estrenó en 1994, dirigido por Michael Radford y protagonizado por Philippe Noiret, Massimo Troisi y Maria Grazia Cucinotta. 

“Il postino” es una adaptación de la novela “Ardiente paciencia” de Antonio Skármeta (Aquí también podrán disfrutar de esta novela en audio), quien ya la había llevado al cine en 1983 con el mismo título original. En la novela y la película original, Neruda se encuentra en Isla Negra (Chile) alrededor de 1970, sin embargo, en “Il Postino” se traslada la acción a la Isla Salina en Italia, durante los años 50. 

La cinta ha sido galardonada con más de 25 premios internacionales, incluyendo el Premio David di Donatello al mejor montaje (1994), Premios BAFTA a la mejor película de habla no inglesa, mejor dirección y mejor música (1995), Premio Cóndor de Plata a la mejor película extranjera y un Premio Oscar a la mejor banda sonora. 

Resulta difícil redactar un artículo que sólo haga referencia a las escenas o ambientación de esta película, porque es tan conmovedora y maravillosa, que a pesar de que su rodaje se realizó en lugares no menos bellos de Italia, terminaríamos por ser injustos con ella. Además, a su propio final dramático, se sumó el final trágico de la muerte de Massimo Troisi, su protagonista principal encarnando el papel de Mario Roúpolo, quien fallece apenas veinticuatro horas después de finalizado el rodaje, el 4 de junio de 1994, víctima de una enfermedad cardíaca que padecía desde hacía tiempo, de la que había pospuesto una cirugía hasta terminar la filmación.

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EL CARTERO Y PABLO NERUDA

Título original

Il postino

Año

1994

Duración

115 min.

País

Italia

Director

Michael Radford

Guión

Michael Radford, Massimo Troisi, Anna Pavignano, Furio Scarpelli, Giacomo Scarpelli (Novela: Antonio Skármeta)

Música

Luis Enríquez Bacalov (AKA Luis Enrique Bacalov)

Fotografía

Franco di Giacomo

Reparto

Philippe Noiret, Massimo Troisi, María Grazia Cucinotta, Linda Moretti, Renato Scarpa, Anna Bonaiuto, Mariano Rigillox

Productora

Coproducción Italia-Francia; Cecchi Gori Group Tiger Cinematografica / Penta Film / Esterno Mediterraneo Film / Blue Dahlia Productions

Género

Comedia. Drama. Romance | Amistad. Vida rural. Años 50. Literatura

Sinopsis

Mario (Massimo Troisi) es un hombre sencillo que acepta un empleo de cartero. Su trabajo consiste en llevar el correo a un único destinatario, el poeta chileno Pablo Neruda (Philippe Noiret), que vive exiliado en el pequeño pueblo italiano. Mario se siente fascinado por la figura de Neruda, y entre los dos hombres irá creciendo una gran amistad.

Premios

1995: Oscar: Mejor banda sonora original drama. 5 nominaciones

1995: 3 Premios BAFTA: Mejor director, película de habla no inglesa y música. 5 nominaciones

1995: Critics' Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa

1994: Premios David di Donatello: Mejor montaje. 6 nominaciones

A continuación presentamos la novela “Ardiente paciencia” de Antonio Skármeta (en audio), la cual fue base para la realización de la película "Il Postino"

ARDIENTE PACIENCIA (EL CARTERO Y PABLO NERUDA)

 ANTONIO SKÁRMETA - EN LA VOZ DE JOAN MORA 

PARA LEER ESCUCHANDO 

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SOBRE LA OBRA

Por: Joan Mora

Narración sobre la historia creada para el cine en 1983 bajo el título "Ardiente paciencia". Con ese mismo titulo, el propio Skármeta escribió en 1985 una novela, de la que años más tarde (1994) se haria una adaptación cinematográfica que obtendría la aclamación de crítica y público , así como innumerables premios internacionales. Esta adaptación cinematográfica se tituló finalmente "El cartero y Pablo Neruda" y fue dirigida por Michael Radford e interpretada magistralmente por Philippe Noiret, Massimo Troisi y Maria Gracia Cucinotta. Entre esta película y la novela en la que se basa este audio, hay importantes diferencias a tener en cuenta . Mientras que la historia de la novela se desarrolla en Isla Negra, un pequeño pueblo costero de Chile, en la película la trama tiene lugar en la costa italiana. Esto es debido a que Michael Radford no obtuvo los permisos necesarios para poder rodar en Chile. Otra importante diferencia a resaltar con respecto a la película , es la edad del protagonista principal (Mario). En la película es un hombre entrado en la trentena con evidentes problemas para relacionarse con las mujeres, mientras que en la novela se trata de un adolescente de 17 años en plena etapa de descubrimientos sexuales. espero que disfruten de la escucha de esta apasionante y apasionada historia de amor y de amistad, tanto como he disfrutado yo al grabarla.

EL AUTOR

    Antonio Skármeta nació el 7 de noviembre de 1940 en Antofagasta, al norte de Chile. Estudió Filosofía y Literatura en la Universidad de Chile y se graduó en Columbia University, en Nueva York, con una tesis sobre la novelística de Julio Cortázar. En 1967, publicó su primer libro de cuentos, El entusiasmo, y en 1969 obtuvo el premio Casa de las Américas con el volumen de relatos Desnudo en el tejado. Antes del golpe de estado de 1973 en Chile, era profesor de literatura y director de obras teatrales; después del golpe, salió de Chile, viviendo primero en Argentina y después en Alemania occidental. En Argentina, en 1973, publicó otro libro de relatos, Tiro libre. Soñé que la nieve ardía (1975) fue su primer libro publicado en el exilio; al que le siguió la noveleta No pasó nada (1980); y, a partir de un guión para el director alemán Peter Lilienthal, redacta la novela La insurrección.

      Mientras vivía en Alemana, Skármeta empieza a construír la historia del cartero de Neruda, primero para para la radio alemana, después como un guión. La historia aparece como libro, Ardiente paciencia, y, después, con una segunda versión cinematográfica. La película se estrenó en el Festival de Venecia en 1994, y recibió cinco nominaciones al Oscar.

      En 1989 regresa a Santiago de Chile, después de su largo exilio alemán. Comenzó el programa de televisión "El Show de los libros". A partir de abril de 1998, el "Show de los Libros", ahora como "La torre de papel", se emite semanalmente desde Estados Unidos a la mayoría de los países latinoamericanos. Ha sido profesor de Lenguas y Literaturas Romances en Washington University, Saint Louis, Missouri, enseñando Literatura Hispanoamericana.

      En 1999, publica La boda del poeta. Al año siguiente fue designado embajador de Chile en Alemania. En el 2001, publicó la continuación de La boda del poeta, la novela La chica del trombón.

 CRÍTICAS A LA PELÍCULA "IL POSTINO"

La última entrega de Massimo Troisi

Gracias a la fuerza de su fotografía (que nos muestra unos preciosos paisajes), su envolvente banda sonora ganadora de un Oscar (compuesta por Luis Enriquez Bacalov) y las soberbias interpretaciones de Massimo Troisi y Philippe Noiret (Cinema Paradiso), nació una de las mejores películas de la historia del cine italiano.

Bella, apasionante y sumergida en una atmósfera tranquila, la película nos cuenta la historia de Mario (Massimo Troisi), un humilde y sencillo cartero auxiliar que tiene como única función entregar el correo al poeta chileno Pablo Neruda (Philippe Noiret), que se encuentra residiendo temporalmente en Italia debido al exilio de su país por razones políticas.

Progresivamente, entre ambos se irá creando una bonita amistad. Mario será aconsejado por Neruda para conquistar a la de la que se ha enamorado y el poeta, a su vez, recibirá la creciente admiración de su nuevo amigo cartero.

La película es una preciosidad repleta de bonitas metáforas. Pura poesía, empañada quizá por su descarado tono político y sus últimos minutos, en los que la historia se va diluyendo.

Massimo Troisi fallecería apenas 24 horas después de finalizar el rodaje, a causa de una enfermedad cardíaca arrastrada desde hace tiempo, dejando como legado, entre otras películas, esta hermosa cinta engrandecida por su genial interpretación.


Sandro Fiorito


Rozando la perfección

A mi juicio una auténtica joya del cine. De las mejores películas que han salido de Italia. La película en todos sus detalles es genial: los actores, los diálogos, los escenarios, la historia, y por supuesto, la forma de tratarlo y situarlo.

Sin querer ahondar demasiado en la política, nos enseña que hay que luchar por nuestros ideales, aunque ello pueda tener las consecuencias finales que se ven. Una moraleja incluida en una película que no trata de ello en sí.

El personaje de Massimo Troisi es uno de los que pasará a la historia del cine. Su actuación y el hecho de que murirera escasas horas después de acabar el rodaje le deben de convertir en un mito del séptimo arte. Su actuación es sublime, de las mejores que he visto en los últimos meses. Sabe retratar perfectamente lo que se busca de él. Creo que nadie podría haberlo hecho mejor. Perfecto.

Es realmente conmovedor también el personaje de Neruda. Aunque al principio resulta algo frívolo y distante, se le acaba cogiendo cariño al ser tan cercano al pueblo. Sin ser prepotente, consigue un imposible de su amigo, que conquiste a la chica que ama. Y lo mejor es que él no interviene, sino que indica como hacerlo, y el hecho lo consigue él solo.

Película en fin muy moralista, que nos hace soñar y a la vez despertarnos. Que nos enseña a la vez la miseria y la ilusión por vivir. No te deja igual y está hecha con mimo. Creo que al cine no se le puede pedir más. 

Y por qué no decirlo también, es un canto de aliento para todos los que nos consideramos poetas en unos tiempos en los que es cada vez más difícil serlo.

Genial.


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Inmenso Troisi

Reconozco que esta fue la primera vez que vi a Massimo Troisi, que por desgracia estaba gravemente enfermo durante el rodaje de esta cinta y nunca llegó a ver su estreno en las pantallas, y me impactó de sobremanera su actuación más allá que la película en sí misma. Aunque de ella me encanta todo, guión, fotografía, la nostalgia que rezuma de sus personajes y otra vez, Massimo Troisi. Una de esas películas que ya se citan de carrerilla cuando nos referimos a lo mejor del cine italiano. Sencillamente genial.

juanix

Bravo

Para empezar, la idea es genial, la historia donde te lleva la película es magnífica. Sentimentalista , el amor que tiene el cartero (Troisi) hacia Neruda (Noiret) como amigo te hace entremecer sobre todo al final donde demuestra Radfort lo gran director que es. De esta película me gusta casi todo, los paisajes que van sucediéndose son muy bonitos, desde las espléndidas imágenes de la playa hasta los campos de la isla, el vestuario impecable y sobre todo destaco las impresionantes interpretaciones de Noiret, y más sobresaliente todavía la de Massimo Troisi, que me impresionó mucho. haciendo de cartero tímido.


Kike


El valor de la amistad

Extraordinaria película que nos pone frente al verdadero significado de la amistad. Dos seres completamente diferentes, aproximados en el tiempo y en el espacio dejan surgir una tercera aproximación: la amistad, la cual trasciende a todas las dimensiones, aún a la vida misma.


Isabelita

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El Loco del Pelo Rojo (V. Minnelli 1956)

"Vincente Minnelli ha hecho un filme poderoso, vital, y que refleja a plenitud la admirable existencia del pintor de los campos, los soles y las arenas doradas. Su intensa indagación en museos y colecciones privadas, hizo posible que, la obra original del artista, ocupara las paredes y los estudios con el mayor realismo. Y la fidelidad de las locaciones, sumada a esa cálida iluminación que se asemeja al mundo que veía Van Gogh, confluye en un filme de incalculable valor como manifestación de la vida. 

Un impagable elenco protagonista que incluye a Kirk Douglas como Vincent Van Gogh, Anthony Quinn como el irreverente Gauguin y James Donald como el noble Theo, hacen de éste la clase de filme que debería ser visto por toda la humanidad."

 

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Valiosa aproximación a la atormentada figura de Vincent Van Gogh, basada en una homónima novela biográfica de Irving Stone, que incidía en los aspectos más legendarios de la turbulenta vida y obra en desarraigo del incomprendido pintor holandés para ponderar con cautelosa lucidez y temperada profundidad en la soledad del artista, en su permanente estado de frustración y desasosiego, en su colérico furor creativo o en su fatídica inestabilidad psicológica. Pero más allá de su esforzada voluntad introspectiva, la película resplandece por su maravillosa puesta en escena, identificada por el fascinador y decisivo sentido cromático de Minnelli, en esta ocasión acrecentado por la impagable labor de la pareja de operadores Young/Harlan y la entera libertad que le proporcionaba el productor John Houseman, así como por el excelso trabajo de decoración de Cedric Gibbons, quien dispuso inclusive de los cuadros originales del genio impresionista. Antológica caracterización de Kirk Douglas y soberbia creación del arrogante Paul Gaughin a cargo de Anthony Quinn.


EL LOCO DEL PELO ROJO

Título original

Lust for Life

Año

1956

Duración

123 min.

País

Estados Unidos 

Director

Vincente Minnelli

Guión

Norman Corwin (Novela: Irving Stone)

Música

Miklós Rózsa

Fotografía

Freddie Young & Russell Harlan

Reparto

Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Pamela Brown, Everett Sloane, Jill Bennett, Henry Daniell, Niall MacGinnis, Lionel Jeffries

Productora

MGM / UA

Género

Drama | Biográfico. Siglo XIX. Discapacidad. Pintura

Sinopsis

Biopic del famoso pintor impresionista Vincent Van Gogh, que retrata su atormentada vida a partir de su obra, que no es más que un reflejo de la ansiedad, la sensación de fracaso y la soledad que lo llevaron, finalmente, a la locura. 

Premios

1956: Oscar: Mejor actor secundario (Anthony Quinn). 4 nominaciones

1956: Globos de Oro: Mejor actor drama (Kirk Douglas). 4 nominaciones

1956: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (Kirk Douglas)

El loco del pelo rojo

El Pais

Películas sobre pintores hay muchas, pero pocas han combinado con tanto talento una trama novelesca con una estética tan fiel a la visión del artista: la vida y las obras de Van Gogh. 57 años después de su estreno, El loco del pelo rojo sigue siendo una apasionante película que, sobre todo, transmite pasión. En buena parte gracias al entusiasmo que aportaron todos los que participaron en ella.

El loco del pelo rojo nació a la estela del éxito de Moulin Rouge, que John Huston había rodado en torno a la figura de Toulouse-Lautrec. El guión estaba basado en Lust for life, una novela de Irving Stone que se había publicado tres años antes. En cuanto se enteró del proyecto, Vincente Minnelli se postuló ante la Metro Goldwyn Mayer como director, aunque aparentemente el tipo de producción no coincidiera del todo con sus trabajos anteriores. Buena parte de las escenas, por ejemplo, se rodarían en exteriores y el presupuesto, bastante limitado, iba a impedir la detallada planificación a la que Minnelli estaba habituado. Viendo el resultado, cuesta creer que buena parte del rodaje fuera fruto de la improvisación, pero lo cierto es que el guion cambiaba sobre la marcha y que las localizaciones se iban decidiendo a diario. Después de meses de lecturas y documentación, Minnelli y el productor, John Houseman, se habían convertido en auténticos expertos en Van Gogh, y Kirk Douglas, que con su barba teñida de rojo había logrado un extraordinario parecido con el artista holandés, sentía que ese iba a ser uno de los papeles de su vida. Durante varios días recorrieron en coche las comarcas del sur de Francia en las que Van Gogh creó buena parte de su obra. Les seguía una furgoneta con el equipo técnico. Cuando veían un paisaje que evocaba algunos de los óleos del genio, paraban, descargaban la cámara y las reproducciones de pinturas, y se disponían a rodar. Un método de trabajo visual, basado en la inspiración que, desde luego, tenía algo de pictórico en su ejecución. No obstante, la naturaleza impuso sus propios ritmos. Minnelli no había podido empezar el rodaje hasta terminar por completo su anterior película, Un extraño en el paraíso. El viaje a Francia se demoró, por tanto, hasta agosto, cuando las flores empezaban a marchitarse y muchos campos de trigo se habían ya cosechado. Para algunas de las secuencias, un equipo especializado se encargó de mantener artificialmente un enorme trigal con ayuda de productos químicos.

Uno de los grandes logros de El loco del pelo rojo es su capacidad para transmitir el proceso creativo de un artista atormentado, algo que se logra en gran medida gracias a la calidad de las reproducciones y la credibilidad de las pinturas en sus diferentes fases de desarrollo. Para conseguir estas copias y bocetos, el equipo de dirección artística fotografió al detalle las obras originales. Las fotografías se proyectaron desde la parte inferior de unas mesas de tablero traslúcido en las que un equipo de pintores fueron reproduciéndolas pincelada a pincelada. Otra de las obsesiones de Vincente Minnelli era que el aspecto visual de su película evocara la luz y los colores de Van Gogh. Para ello decidió rodar en Ansocolor, un tipo de negativo que se había ya dejado de comercializar. La Metro compró los últimos rollos y tuvo que habilitar un laboratorio especial para su revelado. La emulsión del Ansocolor, sin embargo, no resultaría muy duradera. Muchas de las copias fueron apagándose con el paso de los años y, hoy en día, sólo las versiones restauradas mantienen la fuerza cromática del original.


El loco del pelo rojo fue un éxito de taquilla, Anthony Quinn obtuvo el Oscar como mejor actor de reparto por interpretar a Gauguin y Kirk Douglas, que también estaba nominado, se quedó a las puertas del de mejor actor. Vincente Minnelli decía que era la película favorita de su filmografía y los críticos la consideran como una de los mejores exponentes del género de cine y pintura. Una película que parece enteramente rodada dentro de uno de los cuadros de Vincent Van Gogh

Para acercarnos un poco más a la genialidad de Vincent Van Gogh presentamos el siguiente poscast:

LA PASIÓN DE UN HOMBRE MEMORABLE

Al comienzo, quiso seguir los pasos de su padre, pastor del comité belga Mensajeros de la Fe. Pero, cuando descubrió la hipocresía oculta en las palabras que no van ligadas a la acción, decidió seguir su propio camino, y con el incondicional apoyo de su hermano Theo, buscó con ardor hasta que lo halló en la pintura.

Vincent Van Gogh, sueña con ser útil a la humanidad y ansía trabajar para ofrecer algo al mundo. Le ha dado un entierro de tercera al dios intimidante imaginado por el clero, y ahora busca al Dios del amor que sabe que se encuentra en nuestro propio corazón.

Theo lo conpromete a que lo participe de sus andanzas y a que nunca se desvincule de él, y así nacerán las famosas “Cartas a Theo” que ilustran de maravilla el intenso sentir del pintor neerlandés. 

Al contemplar la naturaleza y experimentar la ardua labor de los humildes, Van Gogh se llena de fuerza interior y empieza a descubrir la poesía y la reluciente belleza que se guarda en todo lo creado. Se llena así de pasión, y dispuesto a sentir el centro acrisolado de la vida, comienza a trabajar con ahínco para beber el color del sol y de las flores; extraer el poder de los campos y de los cielos despejados; y para plasmar la intensa humanidad y los rasgos sensibles de los hombres más comunes.

Como sucede con todo aquel que desea algo con verdadero fervor, a Van Gogh se le van dando las cosas. Theo, hombre de galerías y de alto roce artístico, es constante con su ayuda y lo acerca al arte de los grandes, para que defina así su propio estilo. Paul Gauguin, otro valioso artista, es animado a vivir con él, y en aquel laberinto de búsqueda, donde los fracasos amorosos también tienen su lugar, el pintor se va agotando cerebralmente y su vida entra en un ciclo lastimoso.

Van Gogh tuvo una tormentosa existencia que podría verse con dolor y conmiseración si no se comprende que, como pocos, logró sustraer de la vida toda la poesía, toda la belleza y la más honda sensibilidad. Y que, el más grande objetivo por el que podemos vivir, él lo cumplió de manera relevante: sirvió y amó a la humanidad y dejó un legado artístico que ahora se valora como uno de los más grandes.

Vincente Minnelli ha hecho un filme poderoso, vital, y que refleja a plenitud la admirable existencia del pintor de los campos, los soles y las arenas doradas. Su intensa indagación en museos y colecciones privadas, hizo posible que, la obra original del artista, ocupara las paredes y los estudios con el mayor realismo. Y la fidelidad de las locaciones, sumada a esa cálida iluminación que se asemeja al mundo que veía Van Gogh, confluye en un filme de incalculable valor como manifestación de la vida. 

Un impagable elenco protagonista que incluye a Kirk Douglas como Vincent Van Gogh, Anthony Quinn como el irreverente Gauguin y James Donald como el noble Theo, hacen de éste la clase de filme que debería ser visto por toda la humanidad.

Luis Guillermo Cardona

Vivir

La desdichada vida de Van Gogh fue adaptada al cine en 1956 por Vincent Minnelli (Lust for life fue el título original), quien no pudo estar más acertado al asignar a Kirk Douglas el papel de genio atormentado. A pesar del carisma que desprende en cada gesto interpretando a Espartaco o el temor que produce el desfigurado rostro de Einar en Los Vikingos (1958), fue la personificación de Van Gogh su papel más aclamado. Más allá de su increíble parecido físico, pocas veces se ha visto en el celuloide una interpretación tan descarnada de un hombre que lucha contra sus propios demonios, contra sí mismo. Un hombre impulsivo, desordenado e irritable, y en cuyo cerebro hierve un talento capaz de plasmar, únicamente, en un lienzo, demostrando sentimiento, fuerza y belleza pero, como el bueno de su hermano Theo dice "nunca llegará a ser feliz", azotado por los miedos y el fracaso. 

De esta manera, naufragan cada uno de sus proyectos: su deseo de ayudar a los más necesitados en su primera etapa como sacerdote, las relaciones amorosas, la convivencia con Gauguin, el taller de artistas que pretendió crear en Arlés, y así hasta el final de sus días.

Además de Douglas, el papel de Paul Gauguin es interpretado por Anthony Quinn. Ambos nos muestran con maestría, mediante una escena en la que discuten acaloradamente, como era la tortuosa relación que los unía, sus desacuerdos artísticos y sus anhelos en la vida. 

Por otra parte, el cuidado que aplica Minnelli en la elaboración de las reproducciones de sus cuadros alcanza la perfección, sorprendiéndonos con decorados y exteriores muy precisos de obras tan conocidas de Van Gogh como Los comedores de patatas, El café nocturno o El dormitorio de Van Gogh en Arlés. Así, podríamos afirmar que se trata de una film muy recomendable para cualquier aspirante a actor, cinéfilo o aficionado al arte. Una película de altura, que dista mucho de ser un simple biopic, al tratar temas vinculados al sentido de la vida y la vana búsqueda de un hombre, a pesar de contar con poderosas armas, un hueco en la vida.

Juan Diego

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El Misterio Picasso (H.G. Clouzot.1956)

La más perfecta combinación de pintura y el séptimo arte.
La amistad de Clouzot y Pablo Picasso coadyuba a la formación de tan brillante y simple proyecto.
Pocas veces vemos plasmado en el cine el funcionamiento del cerebro de un genio. Con trazos que parecen definitivos y que de un modo impredecible para nosotros los simples mortales, van cambiando a capricho de una de las mentes más prolíficas del siglo XX.

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EL MISTERIO PICASSO

Título original

Le Mystère Picasso

Año

1956

Duración

75 min.

País

Francia 

Director

H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot)

Guión

H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot) & Pablo Picasso

Música

Georges Auric

Fotografía

Claude Renoir

Reparto

Documentary, Pablo Picasso, H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot), Claude Renoir

Productora

Filmsonor S.A.

Género

Documental | Pintura

Sinopsis

Esta película pone al alcance de los espectadores la posibilidad de contemplar la técnica y el modo de trabajar de Picasso, uno de los genios del siglo XX. Rodada en el estudio del pintor malagueño mediante novedosas técnicas cinematográficas, muestra pincelada a pincelada, el nacimiento de una obra de arte.

Premios

1956: Cannes: Premio Especial del Jurado

OBRA DE ARTE EN MOVIMIENTO

Henri-Georges Clouzot, cineasta francés que se desenvolvió con éxito y talento en el género de la intriga (sirvan de ejemplo Las diabólicas o El salario del miedo), sorprendió en 1956 a crítica y público con este delicado documental acerca del proceso creativo de Picasso. 

La película capta con maestría hipnótica la evolución de los trazos en el lienzo, líneas firmes que paulatinamente y al compás de la música van configurando dibujos, separados por cortillas unos de otros. Dos cuestiones lógicas son las que sobrevienen inmediatamente al espectador durante el visionado ¿Qué deparará el siguiente trazo? Y ¿Cómo logró Clouzot registrar este proceso sin que aparecieran las manos ejecutoras de Picasso en el plano? La progresión del dibujo en la pantalla resuelve el primer enigma, el segundo es más sencillo de lo que parece: Filmando a través de telas semitransparentes, se conseguía provocar el efecto de que el pintor estaba creando directamente sobre la pantalla de cine, cuando en realidad estaba justo detrás del lienzo enfocado.

Tras terminar el rodaje, Picasso destruyó casi todos los cuadros que había realizado. El film es, pues, una obra de arte en sí misma y la única oportunidad de contemplar unos lienzos que sólo existen sobre el negativo. 

"El misterio Picasso" fue declarado tesoro nacional por el gobierno francés en 1984.

LA FUSIÓN  DEL CINE Y LA PINTURA

Si entendemos el arte cómo un medio de expresión debemos pensar hasta dónde nos permiten expresarnos las características propias de cada formato. Si la pintura es la explicación de una escena muy concreta e inmóvil, el cine es sin duda la explicación de un desarrollo, y siendo éstas dos intenciones aparentemente contradictorias en "El misterio Picasso" se unen. Por eso, más allá del placer de ver trabajar al maestro, el verdadero interés de este filme es el de reconocer cómo se entrelazan el cine y la pintura para conseguir ver el trabajo de Picasso desde una perspectiva totalmente diferente.

Así pues, Clouzot consigue revelarnos un ejercicio deliciosamente descontrolado y espontáneo pero sobretodo un trabajo cambiante. Trazo a trazo se nos regala el secreto que se esconde tras las muchas capas que encierran las telas, he aquí el misterio, la pintura de Picasso está VIVA.

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Henry y June (El diario íntimo de Anaïs Nin)

"Documento excepcional que navega en una complejidad emocional y erótica no apta para almas corrientes"

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sobre Arte, Clásicos y otros temas a su disposición.

Canal StudioCreativo ¡Puro Arte!

Presentamos, a manera de información, dos podcast: Uno sobre la vida de Anais Nin y otro, un poco informal, sobre la relación de Anais con Henry Miller.

Canal: Radio 5 de RNE
Categoría: Historia y Creencias
Subcategoría: Historia y humanidades
Género: Radio
Procedencia: España
Idioma: castellano

Canal: C desnuda la Piel

Categoría: Ciencia y Cultura
Subcategoría: Arte y literatura
Género: Podcasting
Procedencia: Mexico
Idioma: castellano

Henry & june (Diario Íntimo de Anais Nin) 1990

Título original

Henry & June

Año

1990

Duración

136 min.

País

 Estados Unidos

Director

Philip Kaufman

Guión

Philip Kaufman & Rose Kaufman (Autobiografía: Anais Nin)

Música

Mark Adler

Fotografía

Philippe Rousselot

Reparto

Fred Ward, María de Medeiros, Uma Thurman, Richard E. Grant, Kevin Spacey,Jean-Philippe Eccofey, Pierre Etaix, Brigitte Lahaie

Productora

Universal Pictures

Género

Drama. Romance | Biográfico. Erótico. Años 30

Sinopsis

París, años 30. Película sobre la relación que mantuvo la escritora Anais Nin con el novelista Henry Miller y su esposa June, en la época en que el matrimonio vivió en París. Está inspirada en los pasajes más excitantes de los diarios de Anais Nin. (FILMAFFINITY)

Premios

1990: Nominada al Oscar: Mejor fotografía

"Me niego a vivir en el mundo ordinario como una mujer ordinaria. A establecer relaciones ordinarias. Necesito el éxtasis."

Anaís Nin

Esta película esta basada en los diarios de la vida de Anaís Nin que ella misma escribió. Concretamente en el primer diario de un total de 4. Henry y June es un documento excepcional que navega en una complejidad emocional y erótica no apta para almas corrientes.

La versión de Henry y June llevada al cine he de decir que logra una atmósfera densa, sensual, oscura, que envuelve a un París de calles laberínticas, de barrios bohemios llenos de cafés de artístas y de burdeles.

Anais Nin dijo:

"Me niego a vivir en el mundo ordinario como una mujer ordinaria. A establecer relaciones ordinarias. Necesito el éxtasis. Soy una neurótica, en el sentido de que vivo en mi mundo."

De esta forma se rodeará de personajes tan dispares como escritores fracasados, divas atormentadas, bohemios soñadores, magos, ladrones, contorsionistas, ilusionistas, músicos y prostitutas que penetraran en su mundo más profundo para descubrir su verdadera naturaleza de mujer a través del erotismo y del sexo.

Maria de Medeiros y Uma consiguen intimidar a la cámara y paralizar al espectador para provocar, insinuar, sugerir, incitar...

“Henry y June”, triángulo bohemio

Basada en los diarios de la escritora Anaïs Nin, la película narra su relación con Henry Miller y con su esposa June Mansfield a principios de los años 30. El matrimonio que da título a la película, llegó en aquella época a París para dar un nuevo empuje a la carrera de Henry, sin apenas ingresos, ya que Henry era prácticamente un desconocido para el mundo literario. Ahí conocerán al matrimonio formado por Hugo Guiler y Anaïs Nin.

Anaïs les ayudó económicamente, atraída por el talento de él y la belleza de ella. Se inicia así una relación a dos bandas. Y aunque el interés de Anaïs está centrado en June, cuando esta decide abandonar París durante unos meses, Nin establece una relación apasionada con Henry.

La película, nos muestra pasajes de su diario, y en ella podemos contemplar el cambio de piel vivida por la autora tras conocer a Miller y a su esposa. En cierta manera, June, es el eje que marca el movimiento del resto de personajes. Miller le dedica su primer libro “Trópico de cáncer”, y en Nin tiene un efecto iniciático, a la búsqueda de una vida verdadera, una vida entregada al fuego de la pasión de los sentidos. Dicha búsqueda, la llevará a probar todo tipo de sensaciones. “Quiero probarlo todo, como tú” dice Anaïs Nin a June, y lo cumple. Y todo lo que vive tiene reflejo en lo que escribe, y desde ese momento su producción literaria no pararía.

Pero además de Henry, de June y de su marido, Anaïs tenía otros amantes: su primo Eduardo, su psicoanalista… Todo ello, explicado con detalle en sus diarios, de manera que la película recorre sus aventuras sexuales, sus trabas emocionales, etc. La película acierta en su equilibrio entre la cuidada reconstrucción del París bohemio, y la sensual crudeza con la que describe la relación del triángulo amoroso protagonista.

Como anécdota comentar que en Estados unidos se creó a partir de esta película un nuevo escalafón en la clasificación de los contenidos, el NC-17, tan sólo un poco por debajo de la clasificación X. Esto se debió a que, considerándola una película de alto contenido erótico, se le reconoció su mérito artístico.

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